INVENTIONEN 2010

Musik für mehr als einen Lautsprecher ...
BEASTory 3 & 4

Freitag 30. Juli / Kirche St. Elisabeth

featuring BEAST (University of Birmingham, UK)



CONCERT 3 – 19:00, Friday 30 July / BEASTory 3


Böse (2010) 10:00      Scott Wilson

Dieses Werk nutzt Aufnahmen einer Reihe von Klavieren, darunter zwei große Bösendorfer-Flügel (in Großbritannien und in Montreal) sowie ein zerfallendes Blüthner-Klavier von zweifelhafter Herkunft. Im Dienste einer groß angelegten vielkanaligen Spazialisation kommen in dem Stück spezielle Techniken der „n-Kanal“-Komposition zur Anwendung.

Scott Wilson, geboren in Vancouver (Kanada), wohnte in Middletown, Connecticut, in Karlsruhe, Toronto und anderswo. Ausbildung u.a. bei Barry Truax, Christos Hatzis, Gary Kulesha, Ron Kuivila, Wolfgang Rihm, David Gordon Duke, Owen Underhill. Interaktive, inter-inaktive und andere Kompositionen für Orchester, Elektroakustik, Kammermusik, Installationen, Multimedia usw., Aufführungen weltweit. Projekte mit Darragh Morgan, rarescale, Xenia Pestova und Aufnahmen mit 326music und Continuum Contemporary Music. Scott Wilson lebt in Birmingham (Lehrtätigkeit an der Universität, Mitarbeit bei BEAST), wo es sich im Großen und Ganzen gut leben lässt.

This work makes use of recordings of a number of pianos, including two extended range Bösendorfers, one in the UK, one in Montreal, as well as a disintegrating Blüthner of somewhat questionable provenance. It makes use of a number of specialised techniques for 'n-channel' composition and large scale multichannel spatialisation.

Scott Wilson: born Vancouver, Canada; lived Middletown, Connecticut, Karlsruhe, Toronto, brief stints elsewhere. Studies (one form or another) with Barry Truax, Christos Hatzis, Gary Kulesha, Ron Kuivila, Wolfgang Rihm, David Gordon Duke, Owen Underhill, and others. Works for orchestra, electroacoustics, chamber, installations, multimedia, interactive, inter-inactive, usw. Performances in Canada, the U.S., Germany, the U.K., Ireland, France, Belgium, the Netherlands, Japan, New Zealand, Switzerland, including Huddersfield Festival, Trash Festival, Esprit Orchestra's Next Wave Festival, Open Ears, Canada's National Arts Centre, and other august settings. Recent projects with Darragh Morgan, rarescale, Xenia Pestova. Recordings with 326music and Continuum Contemporary Music. Lives now in Birmingham, UK (teaching at the University, working with BEAST) where life, generally speaking, is good.


Dagbrott (1983) 8:10         Rolf Enström

Dagbrott (schwed. „Tagebau“) wurde 1983 komponiert. „Zur Anwendung kam eine Art Schabetechnik (wie im Kontext der Bildenden Kunst), bei der mehrere Schichten gleichzeitig präsent sind; gewisse Schichten liegen offen, andere jedoch bleiben unsichtbar bzw. unhörbar. Einzelne Schichten werden rasch ‚abgeschabt‘. In Abhängigkeit vom Originalmaterial und von den Algorithmen und Mustern, die die Auswahl der jeweiligen Schicht kontrollieren, bin ich zu einem höchst variablen und dichten Netz von Ereignissen gelangt.“ (Rolf Enström)

Ohne Weiteres wird der Hörer direkt in eine gewaltige Schallexplosion geworfen. Nach und nach verschafft sich eine einzelne Shakuhachi-Flöte Gehör; ihre sanften Töne stehen im krassen Gegensatz zu der bedrohlichen Gewalt der Explosion. Es entsteht ein einzigartiger Dialog zwischen der Flöte und den elektronischen Klängen, ein Gespräch, bei dem die Antworten immer sporadischer werden, um sich am Ende in der Stille zu verlieren. –

Text: Thomas Hellsing

Rolf Enström, 1951 geboren, studierte Musikwissenschaft und Philosophie. Als Komponist tat er sich vor allem mit elektronischer Musik und Multimediawerken hervor, von denen viele zu Klassikern wurden, darunter Final Curses (1981) und Tjidtjag & Tjidtjaggaise (1987), für das er den Prix Italia erhielt. Die Verbindung von Musik mit anderen Kunstformen, besonders der Bildenden Kunst und der Literatur, ist für sein Schaffen zentral. Er unterrichtet elektronische Komposition an der Akademie und am EMS, Stockholm.
Rolf Enström war 1991 Gast des Berliner Künstlerprogramms des DAAD.

"Dagbrott" ( Open mining - Crack formations ) was composed in 1983 while Enström was engaged as a composer by Rikskonserter ( The National Institute for Concerts ). In "Dagbrott" he has developed and refined his craft. Rolf Enström has written the following about his work:
"
In Dagbrott I have further developed a technique with which I worked to a certain degree in "Final Curses" ( Slutförbannelser ). The procedure is a kind of scrape- technique ( in the visual arts context ) in which several layers are simultaniously present, but where certain ones are revealed while others remain invisible ( unheard ). Individual layers are "scraped up" rapidly and depending both upon the original material and the algorithm or pattern which controls the choice of layers I have attained a highly variable and dense web of events."
Without further ado the listener is thrown straight into a violent sonic eruption. By and by a single sakuhachi flute makes itself heard; its soft tones stand in stark contrast to the threatening voilence of the eruption. A singular dialogue occurs between the flute and the electronic sounds, a conversation in which the responses become increasingly sporadic only to dissolve into silence.

Text by Thomas Hellsing

Rolf Enström ( 1951 , Sweden ) has received several national and international awards including the Prix Italia ( 1987 ). He composes tape music, music for instruments and electronics and multimedia (intermedia) works. He collaborates with the photographer Thomas Hellsing.

Rolf Enström can look back on a twenty-year-period as a composer. His list of works consists of about twentyfive works and it includes a number of very carefully crafted compositions of high artistic quality.

Several of his works have become 'classics': i.e. "Directions" (1979) "Final Curses" (1981) with text by the Swedish poet Elsa Grave, "Tjidtjag & Tjidtjaggaise" (1987) which was awarded Prix Italia the same year, the ”bildspel” ”Io” ( 1996 ) together with Thomas Hellsing and the most recent piece for mixed choir and tape - ”Rama” ( 1998 ).

Rolf Enström is a composer who unceasingly seeks new artistic paths and new means of expression and this is something which has led him to combine music with other art forms, primarily the visual arts and literature.

Rolf Enström is a dramatic composer who prefers to work with strong contrasts; violent outbreaks and pauses/silences are important elements in his music. Although the music may often be brutal and violent, charged with dramatic seriousness, one can also catch a glimpse of Enström's characteristic humor hidden somewhere in the textural web in the form of small unexpected sounds, as well as a well developed sense for lyricism and form.


The Passage  (2010) 10:32        Constantinos Kontos

Das Stück konzentriert sich hauptsächlich auf Vokal‑ und Flötenklänge. Klangereignisse und gewisse Motive erzeugen eine „nostalgische“ Wiederaufnahme anderer Zeiten, musikalische Elemente der Vergangenheit erscheinen wie verwandelt.

Constantinos Kontos, studierte Kreative Musiktechnologie und Kommunikationswissenschaften an der Anglia Ruskin University. Zur Zeit studiert er Komposition in Birmingham bei Jonty Harrison.

This piece focuses mainly on vocal and flute sounds. Sound events and specific motifs bring to the surface a ‘nostalgic’ re-enactment of other times and past musical elements inchoately transmuted.

Constantinos Kontos (born 1982) studied Creative Music Technology with Communication Studies at Anglia Ruskin University. He is currently studying composition in Birmingham with Jonty Harrison.


Interlude 2 for Xylocopa Violacea (2009) 10:52      Lucia Ronchetti

Produktion: Experimentalstudio für akustische Kunst e.V., Freiburg; Reinhold Braig (programming and editing).
Interlude II is one of the two tape music pieces composed in order to connect together the three different pieces for viola and live electronics that form the cd-project Xylocopa Violacea (Stradivarius 2010).

Die Blaue Holzbiene, ein großes einzelgängerisches Insekt aus der Familie der Apidae, schwarz glänzend und bläulich schillernd, ist ihr ganzes Leben lang im Wald mit dem Nestbau beschäftigt. Diese natürliche Form der Obsession wird in Xylocopa Violacea mit verschiedenen Stücken für Bratsche solo, Bratsche und Live-Elektronik und mit zwei Tonbandstücken analysiert. Bei der Komposition der Instrumentalteile und bei der Konzeption der Live-Elektronik ging es um eine Erkundung der Bratsche, als Reise im Innern des Instruments, obsessiv auf der Suche nach dem idealen Hörpunkt und nach einem geheimen metaphorischen Klangnest. Mithilfe der von Rainhold Braig entworfenen Live-Elektronik-Software entsteht im Rahmen der Aufführung ein Kontrapunkt, der die Mehrklänge der Bratsche ausdehnt und einen flexiblen, mit dem Instrumentalklang an‑ und abschwellenden akustischen Raum evoziert.

Interlude 2 ist gleichsam ein Tagebuch; als Reflex und Kommentar zu den anderen Stücken verwendet es die reichhaltigen und interessanten Bratschenklänge aus verschiedenen Aufnahmeterminen mit Barbara Maurer. Als Übergangsstück leitet es den Hörer vom Schlaf der Bratsche (Il Sonno d‘Atys für Bratsche und Live-Elektronik) zum dramatisch verzweifelten Höhepunkt des Schlussteils. Isoliert von diesem Kontext erscheint das Stück als ein Aufsprießen unterschiedlicher Stimmen, die von seinem virtuellen Zuvor und seinem visionären Danach herüberklingen.

Lucia Ronchetti, geboren 1963 in Rom, lebt in Rom und Berlin. Musikalische Ausbildung (Klavier und Komposition, elektronische Musik) in Rom (u.a. bei Sylvano Busotti und Salvatore Sciarrino) und Paris (u.a. bei Gérard Grisey und François Lésure); Computermusik-Ausbildung am Pariser IRCAM. 1987–1998 Leiterin des Festival Animato, Rom. Zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen, u.a. Cité Internationale des Arts, Paris; Akademie Schloss Solitude, Stuttgart, als Artist in Residence der MacDowell Colony, Peterborough, USA, und als Composer in Residence des Forums Neues Musiktheater der Staatsoper Stuttgart. In Berlin war sie zu Gast im Elektronischen Studio der Technischen Universität Berlin (1997) und im Studio für Elektroakustische Musik der Akademie der Künste Berlin-Brandenburg (1999). Lucia Ronchetti war 2005 Gast des Berliner Künstlerprogramms des DAAD.

The  Violet Carpenter Bee, is a big solitary insect of the family of Apidae, shiny black with violet reflexes, working all its life the wood in order to build a nest.  This natural form of obsession is analyzed through different pieces for solo viola, viola and live electronics and the two tape pieces.

The composition of the instrumental part and the live electronics concept are conceived in order to explore the viola, traveling inside the body of the instrument in the obsessive search for an ideal internal point of hearing and for a metaphorical secret sound nest. The live electronic program, written by Rainhold Braig, creates within the global performance, a counterpoint prolonging the viola polyphonies and evoking a flexible acoustical space, increasing and decreasing as it follows the instrumental source.

Interlude II represents a diary, a reflections and a commentary on the others compositions,  using the rich and interesting collection of viola sounds coming from the different seances of recording with Barbara Mauer. It is an in-transit piece, bringing the listener from the sound representation of the viola-sleep (into the Il Sonno d’Atys for viola and live electronics) to the dramaturgical esaxperate climax of the last piece.  Isolated from his context, the work appears pullulating of different voices, coming from his virtual before and visionary after.

Lucia Ronchetti (born in Rome1963) studied Composition and Computer Music at the Accademia di Santa Cecilia and Philosophy at the University of Rome. In Paris, she took composition seminars with Gérard Grisey, participated in the annual computer music courses at IRCAM (1997) and obtained her PhD in musicology at the École Pratique des Hautes Études en Sorbonne, under the direction of François Lesure (1999). In 2005 she was Visiting Scholar (Fulbright fellow) at the Columbia University Music Department in New York, at the invitation of Tristan Murail.

Lucia Ronchetti has frequently received grants and been composer in residence: Yaddo, New York; DAAD, Berlin; Staatsoper of Stuttgart; MacDowell Colony, Peterborough, NH (USA); Akademie Schloss Solitude, Stuttgart.
Important working experiences include those with Silvano Bussotti (1981), Salvatore Sciarrino (1989), Hans Werner Henze (1993), Folkmar Hein (1998) and André Richard (2003).
In 2010 her second CD, Xylocopa violacea (Barbara Maurer, Reinhold Braig, Experimentalstudio Freiburg), will be published by Stradivarius, as well as a CD by Kairos, Dramaturgie (Neue Vocalsolisten), and another by Rai Trade, Il Castello di Atlante (Radio Play – Deutschland Radio Kultur).


BlckWnd (2009) 9:53        Eric Bumstead

Industriell erzeugte Klänge sind die Bausteine für dieses Stück. Sie entstanden unter Verwendung eines von Iannis Xenakis entwickelten stochastischen Syntheseprozesses. Sergio Lugue hat Xenakis‘ Algorithmen weiterentwickelt und mich bei meinen Erkundungen dieser geräuschhaften Ästhetik großzügig unterstützt.

Eric Bumstead promoviert im Fach elektroakustische Komposition an der University of Birmingham bei Scott Wilson. Im Rahmen eines einjährigen Künstlerstipendiums am Banff Centre for the Arts entstanden zuvor Werke für Computer mit Percussion und Live-Performance-Interfaces. Danach reiste er nach Stanford, um einen Workshop im Interface Design für musikalische Anwendungen zu absolvieren. Musikalische Ausbildung (Schlagzeug und Komposition) an der University of Calgary. Auftritte mit seinem Ensemble Ecclasia und mit der Red Deer Symphony, New Works Calgary und dem Land’s End Chamber Ensemble.

Industrial sounds are the building blocks for this piece. They derive from a stochastic synthesis process developed by Iannis Xenakis. Sergio Luque has continued research on Xenakis’s algorithms and generously assisted my exploration in to this noisy esthetic.

Eric Bumstead is presently completing a PhD in electroacoustic composition at the University of Birmingham, UK, supervised by Scott Wilson. Previous to his time in Birmingham Eric attended the Banff Centre for the Arts completing a year-long performance residency during which he also composed works for computer with percussion and developed interfaces for live performance. Immediately following the residency he travelled to Stanford to complete a workshop in interface design for musical applications.  Eric received a BMus from the University of Calgary, studying percussion performance with Glenn Price and Rod Squance and composition with Allan Bell and David Eagle. Two of his electroacoustic works were premiered at the 2004 Land's End Cabaret and he has performed at the High Performance Rodeo with his ensemble Ecclasia. Eric has also performed with the Red Deer Symphony, New Works Calgary, and Land’s End Chamber Ensemble.


Le travail du rêve (2009-10) 17:00         Francis Dhomont

Mit der Stimme von Hans Tutschku
Le travail du rêve ist die vierte meiner „eigenständigen autonomen Skizzen“ für Le cri du Choucas, ein gerade in Entstehung begriffenes langes Werk mit Bezügen zu Kafka. Im Sinne der psychoanalytischen Terminologie beschreibt Le travail du rêve (Traumarbeit) den Prozess, in dessen Verlauf die Bilder entstehen, die unseren Schlaf bevölkern – Assoziation, Verfremdung, Verdrängung, Verdichtung – eine traumartige Syntax, die Bezug auf Kafkas Erzählstil nimmt: „Der Sinn für die Darstellung meines traumhaften inneren Lebens hat alles andere ins Nebensächliche gerückt," schrieb er in sein Tagebuch (6. August 1914).
Die musikalische Sprache ist von dieser Rhetorik unerwarteter Formen inspiriert, von jenen Assoziationen und Metamorphosen, die durch ihre offenkundige Inkonsistenz einen Diskurs zur Tiefgründigkeit der eigenen Existenz gezielt verschleiern.
Le travail du rêve entstand als Auftragskomposition für die INA-GRM im Studio des Komponisten in Avignon. Die Originalversion wurde im Juli 2009 beim Festival de Radio France et Montpellier, Salle Pasteur/Le Corum uraufgeführt.

Francis Dhomont wurde 1926 in Paris geboren und lebt heute in Avignon. Er studierte bei Ginette Waldmeier, Charles Koechlin und Nadia Boulanger. Erste Versuche mit der Tonbandtechnik machte er bereits Ende der 1940er Jahre, seit 1960 komponiert er ausschließlich elektroakustische Werke. Er war Gründungsmitglied und später Präsident des Festivals Musiques – Multiples in Sant-Rémy de Provence (1975 bis 1979). 1980–1996 lebte er in Québec, wo er an der Université de Montréal Elektroakustische Komposition lehrte. Seit über 20 Jahren widmet sich Dhomont neben seinen kompositorischen Aktivitäten auch der Vermittlung zwischen der französischen und der kanadischen Tradition der Komposition akusmatischer Musik. Dhomont erhielt zahlreiche Preise, darunter ein erster Preis in Bourges 1981, Magisterium Bourges 1988, den Prix Ars Electronica 1992 sowie den Prix Lynch-Staunton du Conseil des Arts du Canada 1997. 1997 war Dhomont Gast des Berliner Künstlerprogramms des DAAD.

World premiere of new version
Le travail du rêve est la quatrième de mes « ébauches autonomes » pour Le cri du Choucas, longue œuvre sur Kafka en cours de réalisation.
Dans la terminologie psychanalytique, Le travail du rêve décrit le processus de formation des images qui habitent notre sommeil et de ses stratagèmes : associations, déformation, déplacement, condensation… syntaxe onirique qui n’est pas sans rapport avec le style narratif de Kafka : « Le talent que j'ai pour décrire ma vie intérieure, vie qui s'apparente au rêve – écrit-il dans son Journal – a fait tomber tout le reste dans l'accessoire (...)).
L’écriture musicale s’inspire ici de cette rhétorique aux figures inattendues, de ces associations et métamorphoses qui dissimulent sous une apparente incohérence le discours travesti des profondeurs de l’être.   
Commande de l’INA-GRM, France, réalisée dans le studio personnel du compositeur en Avignon. Création mondiale de la première version le 30 juillet 2009 au Festival de Radio France et Montpellier, salle Pasteur/Le Corum.

Francis Dhomont (born 1926) has worked in electroacoustics from the very beginnings of this art. Convinced of the originality of acousmatic art, his work since 1960 is comprised essentially of works for tape bearing witness to his continued interest in morphological interplay and sense/sound ambiguities.

Doc. Honoris causa, University of Montreal. He has received numerous international distinctions and awards. "Ars electronica 1992", "Magisterium" Bourges 1988, 1st Prize, Bourges 1981. In 1999 : 1rst Prize CIMESP, Brazil, 1rst Prize Musica Nova, Prague, 1rst Prize Ear, Radio-Budapest, 1rst Prize CiberArt, Spain, 1rst Prize Prix Pierre Schaeffer, Pescara, Italy. In 1997 he was awarded the Lynch-Staunton Prize of the Canada Council and was a guest of the Deutscher Akademischer Austauschdienst (DAAD) Berlin.
Since 1978, he shared his activity between France and Quebec. He was teaching Electroacoustic Composition at University of Montreal from 1980 to 1996. An author of theoretical texts and essays, he has also produced radio-programs for INA-GRM (Radio-France, Paris) and Radio-Canada, Montréal. He now lives in Avignon, France and pursues an international career.      





CONCERT 4 – 21:00, Friday 30 July / BEASTory 4


Caspian Retreat (from Telluric Currents – 2003) 10:26             Pippa Murphy

Caspian Retreat ist der erste Teil von Telluric Currents, einer Trilogie elektroakustischer Stücke, die von persischen, europäischen und indischen Wassermythologien inspiriert sind. In dem Stück geht es um die Schönheit und Komplexität des heutigen Lebens in einem von antiker Kunst, Kultur und Musik getränkten Land, einem Land voller Farben, Gerüche und Klänge. Mit Klängen aus meinen eigenen Aufnahmen vom Kaspischen Meer und aus Teheran geht Caspian Retreat auf eine Reise mitten hinein in den Mystizismus des alten und des modernen Persien.
Als Caspian Retreat komponiert wurde, erklärte Bush den Iran zu einem von drei Ländern der „Achse des Bösen“. Das Stück wurde mit finanzieller Unterstützung des Scottish Arts Council in den Studios der University of Edinburgh realisiert.

Pippa Murphy lebt als freischaffende Komponistin in Schottland. Musikalische Ausbildung an der University of Birmingham bei Jonty Harrison, langjähriges Mitglied bei BEAST. Sie arbeitet mit Künstlern, Tänzern, Schriftstellern und Darstellern aus aller Welt und hat u.a. für das Paragon Ensemble, PRS, das Scottish Flute Trio und für Contemporary Music For Amateurs (COMA) komponiert, außerdem für Radiosendungen, Theateraufführungen und Konzerte in ganz Europa. Zu ihren jüngsten Projekten gehören Hörspielmusiken für die BBC und Bühnenmusiken; sie war Gastkomponistin am ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe. Sie ist stellvertretende Vorsitzende des Sonic Arts Network.

Telluric Currents is a trilogy of electroacoustic pieces inspired by water mythology from Persia, Europe and India. Each piece explores the nature and characteristics of ancient civilisation, myths and legends, culture and landscape.

Caspian Retreat is the first of the three pieces, and explores the beauty and complexities of contemporary life, in a land steeped in ancient art, culture and music; a land rich in colour, smell and sound. Using recordings I collected from the Caspian Sea and the city of Tehran, Iran, Caspian Retreat journeys into the mysticism of ancient and modern Persia........ 

retreat v.1

Caspian Retreat was written at a time when Iran was announced by Bush to be one of three countries on the ‘axis of evil’.  It was composed in the University of Edinburgh studios, made possible with funds from the Scottish Arts Council.

Pippa Murphy is a freelance composer living in Scotland. She works with artists, dancers, writers and performers in the UK and abroad, and has been commissioned by the Scottish Arts Council, the Paragon Ensemble, PRS, Scottish Flute Trio and Contemporary Music For Amateurs (COMA). She has composed for performances, radio broadcasts, theatre shows and sound diffusions in the UK and Europe. Recent projects include: Music For BBC Radio 4 afternoon play, The Room; Numerous productions at the Traverse Theatre, Edinburgh; Music for Gilt a 7:84 Theatre Company production; guest resident composer at ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe. She has devised and facilitated many community education projects, including composition workshops for university students & professional artists at: The Fadj International Film & Theatre Festival in Iran; Chong Ching, China for the British Council; asylum seekers in Sight Hill, Glasgow, and primary school children in ‘Sonic Postcards’. She completed her BMus, MA and PhD at the University of Birmingham, supervised by Jonty Harrison and was a member of BEAST for many years. Since leaving Birmingham, she has also been the Vice-Chair of Sonic Arts Network.


Painting Nahhamu (2010), 11’11”      Suk-Jun Kim

Painting Nahhamu ist das vierte Stück der Werkreihe Welcome to Hasla, einer fortlaufenden Untersuchung unserer Ortswahrnehmung als Hörerfahrung in Form einer erträumten Reise in erfundene Städte. Nahhamu gehört zu den 76 erfundenen Städten, die von Sung-Eun Kim benannt wurden, angeblich wurde sie aus einem einzigen Mammutbaumschößling errichtet.
Painting Nahhamu wurde von IMEB, Bourges, in Auftrag gegeben und mit Unterstützung des Berliner Künstlerprogramms des DAAD im Elektroakustischen Studio der TU Berlin und im Studio Métamorphoses d’Orphée in Ohain, Belgien realisiert.

Suk-Jun Kim, geboren 1970 in Taebaek (Korea). Theologische Ausbildung an der Yonsei-Universität (Seoul), Abschluss 1996. Musikalische Ausbildung am Ontario Institute of Audio and Recording Technology OIART (Tontechnik, Sound Design), Diplom 1998; an der Northwestern University, Evanston, Illinois (elektronische Medien, elektroakustische Musik), am Centre de Création Musicale Iannis Xenakis (CCMIX), Paris (Computermusik) und an der University of Florida, Gainesville (Elektroakustische Musik), Abschluss 2008. Suk-Jun Kim war 2009 Gast des Berliner Künstlerprogramms des DAAD, zur Zeit lebt er als Leverhulme visiting research fellow in Aberdeen.

Painting Nahhamu is the fourth piece completed as part of the Welcome to Hasla series, an ongoing investigation of our sense of place through aural experiences and a dreamed-up journey to imaginary cities. Nahhamu is one of the 76 imaginary cities named by Sung-Eun Kim and is believed to have been erected from a single Sequoia shoot.

Commissioned by IMEB, Bourges, France, Painting Nahhamu was composed with the support of the DAAD Artists-in-Berlin Program at the Electroacoustic Studio at the Technical University in Berlin, Germany, and at the Métamorphoses d’Orphée studio in Ohain, Belgium.

Suk-Jun Kim, a Korean Composer whose main output is electroacoustic music, his music focuses mainly on the sense of places that are fantastic, imaginary, magical, and realistic, where listeners can visit, stop by, and dwell on. Kim has received prizes and mentions in Métamorphoses, CIMESP, ASCAP/SEAMUS Student Commission Competition, the International Competition of Electroacoustic Music and Sonic in Bourges, France, and MUSICA VIVA and MUSICA NOVA. In addition to a residency at the MacDowell Colony in the USA, Kim has recently been invited by the DAAD, Germany, as a one-year guest composer for its prestigious Artists-In-Berlin Programme. 

His recent commissions include an electroacoustic music for the 2006 World Cup, two Bourges commissions, one from SpACE-Net in UK, and QUB Silver Collection Soundscape Commission from Belfast, Northern Ireland. Kim’s music has been performed worldwide and can be heard on ICMC, IMEB, and SEAMUS labels, and M&R.
Suk-Jun Kim studied theology at Yonsei university, South Korea and Recording Engineering at OIART. He earned a master’s degree in Music Technology in Northwestern University and a Ph.D. in composition at the University of Florida.


Tephra (2010) 7:14          Helena Gough

Ein Punkt auf einer Linie beständiger Transformation. Ein Environment aus Zersetzungen und Eruptionen. Einzelne Zellen und Klumpen, vervielfacht und verwandelt. Von kleinen Zusammenbrüchen und klaffenden Rissen aufgesprengte Räume. Tephra ist eine von vier Kompositionen aus dem Album Mikroklimata.

Die englische Klangkünstlerin Helena Gough lebt zur Zeit in Berlin. Ihre Arbeit konzentrierte sich zunächst auf die Sammlung und Manipulation von vorgefundenem Klangmaterial und auf die Erforschung seiner abstrakten Eigenschaften. Gelegentliche Abweichungen zu synthetischen und instrumentalen Klangquellen entwickeln sich nun zu bedeutenden Zutaten. Ein neuer Klangraum kann aus allem Möglichen, auch aus dem allerkleinsten Element entstehen, um so aus fast Nichts ein Etwas zu gestalten. Als Laptop-Solistin führt Helena Gough ihre Musik regelmäßig live auf; sie ist Mitglied zahlreicher improvisierender elektroakustischer Ensembles, u.a. mit Musikern wie Lee Patterson, Andrea Neumann und Rhodri Davies. Ihr erstes Soloalbum er­schien bei dem Londoner Label Entr’acte Anfang 2007, ein zweites Album folgte im Juni 2010.

One point along a route of continual transformation. An environment formed of magnified degradations and eruptions. Single cells and clusters multiplied and mutated. Spaces disrupted by small collapses and stark ruptures. Tephra is one of four compositions from the album Mikroklimata.

Helena Gough is an English sound artist currently based in Berlin. Her work initially focused upon the collection and manipulation of 'real-world' sound material and the exploration of its abstract properties. Occasional deviations into synthetic and instrumental sources are now developing into more prominent ingredients. Each new sound-space is created by taking everything possible from the tiniest element, working to make something from nearly nothing.  As a solo (laptop) player she presents her music live on a regular basis, and is also a member of numerous improvising electro-acoustic ensembles, involving musicians such as Lee Patterson, Andrea Neumann and Rhodri Davies.
Her first solo album was released by the London based label Entr’acte at the beginning of 2007, and a second album followed in June 2010.


De part et d'autre (2010) 9:00              Julien Guillamat

De part et d'autre ist das zentrale Stück aus Cycle des états: Espaces et Gestes. Es ist eine Reise von einem Land in ein anderes, eine Fahrt zwischen verschiedenen Klanglandschaften.
Mit diesem neuen Werk erkunde ich musikalische Gesten in Klang und Raum. Außenaufnahmen stehen gegen verschiedene geschlossene Räume, aus ihrer Schichtung entstehen bewegte Klangobjekte und wachsende instrumentale Verwandlungen, die dem Stück seine Energie verleihen.

Julien Guillamat begann seine Musikstudien im Alter von sieben Jahren, weitere musikalische Ausbildung an den Konservatorien von Montauban, Montpellier und Aix-en-Provence, später Studium der Musikwissenschaft an der Université Paul-Valéry, Montpellier. Zur Komposition kam er 2005 an der University of Birmingham, wo er nun bei Jonty Harrison die Promotion anstrebt. Als aktives BEAST-Mitglied bereiste er ganz Europa. Seine Musik wurde hauptsächlich in Frankreich und Großbritannien aufgeführt, sie steht in der französischen Tradition der musique concrète. Er arbeitet außerdem mit Künstlern aus Film, Theater, Poesie und Tanz zusammen.

De part et d'autre (From/on each sides) is the central piece from Cycle des états: Espaces et Gestes. It is a passage from one country to another, a trip between different soundscapes.
With this new work, I explore musical gestures in sound and space. Open-air recordings oppose various confined spaces that are juxtaposed to moving sound objects and growing instrumental transmutations that induce the energy of the piece.

Julien Guillamat began studying music at the age of seven. He studied at the conservatoires of Montauban, Montpellier and Aix-en-Provence (France). In 2006 he passed a Master I of musicology at the University of Paul Valéry (Montpellier, France). He first delved into music composition in 2005 at the University of Birmingham where he is now completing a PhD in composition with Professor Jonty Harrison. As an active member of BEAST he has travelled across Europe. His music has been performed in France and the United Kingdom. His work is largely influenced by the French tradition of musique concrète. He also collaborates with film, theatre, poetry and dance artists.


Movements (2010) 04:00               Pei-Yu Shi

Das Stück besteht aus fünf Sätzen unterschiedlicher Dauer (15, 23, 55, 33 und 89 Sekunden). Als Klangmaterial dienen Schallaufnahmen der klassischen chinesischen Griffbrettzither Qin. Dank an Andre Bartetzki für die Aufnahme.

Pei-Yu Shi, 1973 in Taipei geboren, studierte zunächst chinesische Musik und dann Komposition bei Hwan-long Pan. In Deutschland und in der Schweiz setzte Pei-Yu Shi ihre Studien u. a. bei Wolfgang Rihm, Sandeep Bhagwati, Georg Friedrich Haas und Roland Moser fort. Momentan studiert sie an der University of Birmingham bei Jonty Harrison. Sie komponiert sowohl für westliche als auch für chinesische Instrumente, mit instrumentalen und mit technisch geprägten oder produzierten Klängen – vom Computerflügel bis zur elektroakustischen Musik. Sie ist außerdem als Vokalistin tätig und spielt chinesisches Schlagzeug und Zupfinstrumente. Diverse Auszeichnungen, darunter zuletzt bei der International Competition for Chamber Music with Electronics (2009 Sond'Ar-te Música Viva Portugal) and beim Internationalen Wettbewerb für Orchester der Weimarer Frühlingstage 2008.

This piece consists of five movements. The sound material is taken from sampled recordings of Qin, a Chinese plucked instrument. Thanks to Andre Bartetzki for the recording.
I : 16   /   II : 23   /   III : 55   /   IV : 33   /   V : 89

Pei-Yu Shi studied composition at universities in Taiwan and Germany after studying Chinese music. She is currently studying for a PhD with Jonty Harrison at the University of Birmingham. She has received several awards for her music, most recently from the International Competition for Chamber Music with Electronics (2009 Sond'Ar-te Música Viva Portugal) and the International Competition for Orchestra 2008 (Weimar, Germany).


Valley Flow (1992) 16:50                Denis Smalley

Formgebung und Klanggehalt von Valley Flow wurden von den dramatischen Aussichten im Bow Valley in den kanadischen Rocky Mountains beeinflusst. Das Werk basiert auf einer grundlegenden fließenden Geste, diese Bewegung wird ausgedehnt zu luftigen, schwebenden und fliegenden Konturen und breiten Panoramaschwenks, aber auch zu stärkeren Bewegungen konzentriert, wenn Teile der Textur gleichsam ausgeschleudert werden.

Räumliche Perspektiven sind wichtig. Der Hörer kann wechselnde Standpunkte einnehmen – der Blick geht mal zum fernen Horizont, dann von einer Anhöhe herab, dann wieder schrumpft die eigene Position im Angesicht gewaltiger Landmassen oder wird von vergrößerten Details organischer Aktivität überschwemmt.

Eigenschaften der Landschaft sind stets vorhanden: Wasser, Feuer und Holz; der kiesig-körnige Bruch steinerner Geräuschstrukturen und die winterliche, eisige Dünnheit ausgehaltener Linien. Die Kraft und Sprunghaftigkeit der Natur wird durch abrupte Wechsel und turbulente Texturen widergespiegelt.

Valley Flow wurde von BEAST in Auftrag gegeben und erhielt finanzielle Unterstützung von West Midlands Arts. Die Realisation begann im Banff Centre for the Arts (im Bow Valley), unter Verwendung von zuvor im Pariser IRCAM angefertigten Klängen, und wurde an der Simon Fraser University, Vancouver, und im Privatstudio des Komponisten in Norwich fertiggestellt. Die Uraufführung fand am 27. Februar 1992 bei einem live von der BBC übertragenen Konzert statt.

Denis Smalley (geboren 1946 in Neuseeland), musikalische Ausbildung in Neuseeland, Paris (bei Olivier Messiaen und bei der Groupe de Recherches Musicales) und Großbritannien (University of York). Bis 1994 Unterrichtstätigkeit und Leitung des Studios für Elektroakustische Musik der University of East Anglia. Danach lehrte Smalley als Professor und Leiter der Abteilung Musik an der City University, London (Emeritierung 2009). Seine Arbeiten haben im Bereich elektroakustischer Komposition einen hohen Stellenwert und wurden mit einer Vielzahl internationaler Preise ausgezeichnet – u.a. 1988 mit dem Prix Ars Electronica. Er ist außerdem für seine Schriften zur Ästhetik und Analyse zeitgenössischer Musik bekannt. Für seine Verdienste um die elektroakustische Musik erhielt er 2008 die Ehrendoktorwürde der University of Huddersfield.

The formal shaping and sounding content of Valley Flow were influenced by the dramatic vistas of the Bow Valley in the Canadian Rockies. The work is founded on a basic flowing gesture, and this type of motion is stretched out to create airy, floating and flying contours and broad panoramic sweeps, but also contracted to create stronger physical motions, for example the flinging out of textural materials.

Spatial perspectives are important. The listener can adopt changing vantage-points, at one moment looking out to the distant horizon, at another looking down from a height, at another dwarfed by the bulk of land masses, and at yet another swamped by the magnified details of organic activity.

Landscape qualities are pervasive: water, fire and wood; the gritty, granular fracturing of stony noise-textures; and the wintry, glacial thinness of sustained lines. The force and volatility of nature are reflected in abrupt changes and turbulent textures.

The mixing of the piece was started during a Creative Residency in the Media Arts Program at the Banff Center for the Arts situated in the Bow Valley. Sounds created at IRCAM during a previous research period were incorporated, and further materials were subsequently developed at Simon Fraser University in Vancouver. The piece was completed in the composer's studio in Norwich. Valley Flow was commissioned by BEAST, with funds provided by West Midlands Arts, and was given its premiere in a concert broadcast live by BBC Radio 3 from Birmingham on February 27, 1992.

Denis Smalley was born in New Zealand in 1946. He studied music in New Zealand prior to studying at the Paris Conservatoire with Messiaen, and electroacoustic music with the Groupe de Recherches Musicales. He moved to England, completing a doctorate in composition at the University of York. Until 1994 he was Senior Lecturer in Music and Director of the Electroacoustic Music Studio at the University of East Anglia. He then moved to City University, London as Professor of Music and Head of the Department of Music. He retired from City University in 2009, and is now Professor Emeritus.

Denis Smalley has been active as a composer of electroacoustic music for over thirty years, and his works have been widely acclaimed, winning a number of international awards including the Prix Ars Electronica in 1988. He has made original contributions to thinking about electroacoustic music, in particular his investigations into the listener's perception of electroacoustic music, and his development of the notion of spectromorphology  (the shaping of sound spectra through time). In 2008 he was awarded an honorary Doctor of Letters by the University of Huddersfield for his achievements in electroacoustic music. A book on his music was published in the Polychrome Portraits series (Ina/GRM) in 2010.

His music is available on two solo CDs on the empreintes DIGITALes label, with individual works on the Effects Input (Groupe de Musique Expérimentale de Marseille) and Wergo labels.

http://www.city.ac.uk/music/staff/dsmalley.html
http://www.electrocd.com/en/bio/smalley_de/discog/
http://www.ina-grm.com/polychromes


For more information on BEAST and the Electroacoustic Music Studios, please visit: www.beastmusic.co.uk